(Gendai bijutsu sengen) par Jirō Yoshihara, extrait de Geijutsu shincho (Nouvelles Tendances artistiques), Tōkyō, décembre 1956, traduction de Kieko Hashiguchi.

GUTAI

est l'un des plus importants mouvements fondateurs

de l'art contemporain mondial.

Révélé en France et en Europe par Michel Tapié,

son influence sur l'art nord-américain et européen 

  reste sous-estimée.
 

Le terme vient de  gu , instrument          

et tai, corps, 

son adverbe gutaiteki,  incarnation, concret,

qui s'oppose donc à l' abstrait,  

 c'est-à-dire à l'art abstrait.

Ce texte fonde le mouvement Gutai et ouvre la voie à l'art contemporain japonais.  

Ce qui suit est un extrait donnant l'essentiel : 

« Désormais, l'art du passé apparaît,

à nos yeux, comme une supercherie, sous le masque

d' apparences à première vue signifiantes.

Finissons-en avec le tas de simulacres qui encombrent les autels, palais, salons et magasins de brocanteurs.

        Ce sont tous des fantômes trompeurs qui ont pris les apparences d'une autre matière :

 magie des matériaux 

 - pigments, toile, métaux, terre ou marbre - 

et rôle insensé que l'homme leur inflige.

Ainsi occultée par des productions spirituelles,la matière n'a plus droit à la parole,

entièrement massacrée.

Jetons tous ces cadavres au cimetière !

 L'art Gutai ne transforme pas,

ne détourne pas la matière ; il lui donne vie.

Il participe à la réconciliation de

l' esprit humain et de la matière qui ne lui est,

 ni assimilée,

 ni soumise et qui,

une fois révèlée en tant que telle

se mettra à parler

et même à crier.

L' esprit la vivifie pleinement et, réciproquement 

l'introduction de la matière dans le domaine spirituel

contribue à l' élévation de celui-ci.

Bien que l'art soit champ de création, nous ne trouvons aucun exemple dans le passé de création de la matière par l'esprit.

À chaque époque,

il a donné naissance à une production artistique 

qui cependant

ne résiste pas aux changements.

Il  nous est par exemple difficile aujourd'hui

de considérer autrement que

comme des pièces archéologiques

les grandes œuvres de la Renaissance.

Tout rétrograde

que cela puisse paraître

de nos jours, 

 ce sont peut-être les

arts primitifs  

et l'art depuis

l'impressionisme 

qui ont tout juste réussi à  garder une sensation de vie, 

heureusement sans trop trahir la matière,

même transformée.

    Ce sont encore les mouvements comme

le pointillisme 

ou 

le fauvisme 

qui ne supportaient pas de sacrifier

la matière,

 bien que la consacrant à la représentation de la nature.

Néanmoins,

ces œuvres ne nous émeuvent plus ;

elles appartiennent au passé.  

Ce qui est intéressant,

c'est la beauté contemporaine

 que nous percevons

dans les altérations 

causées par les désastres et les outrages du temps 

sur les objets d'art  

et les monuments du passé.

Bien que cela soit synonyme d'une beauté decadente 

ne serait-ce pas là que,

subrepticement,  

se révélerait la beauté de la matière originelle

 par-delà les artifices du travestissement ?

Lorsque nous nous laissons séduire par les ruines, 

 le dialogue engagé par les fissures et les craquelures 

pourrait bien être la forme de revanche qu'ait pris la matière

pour recouvrer son état premier.

 Dans ce sens, 

en ce qui concerne l'art contemporain,

nous respectons Jackson Pollock &  Georges Mathieu 

car leurs œuvres sont des cris poussés par la matière,  pigments et vernis.

 Leur travail consiste à se confondre avec elle

selon un procédé particulier

qui correspond à leurs dispositions personnelles.

Plus exactement,

ils se mettent au service de la matière

en une formidable symbiose.

 Nous avons été très intéressés par les  informations

que Hisao Domoto

et Sōichi Tominaga

nous ont données au sujet

de Tàpies,

Mathieu et les activités de

l'art informel,

et sans en connaître les détails,

nous partageons la même opinion pour l'essentiel.

Il y a même une étonnante coïncidence   

avec nos revendications récentes

au sujet de la découverte de formes entièrement neuves 

et qui ne doivent rien aux formes préexistantes.

L'on ne sait toutefois

pas clairement si,

sur le plan des recherches possibles,

les composantes formelles et conceptuelles de l'art abstrait

 - couleur, ligne, forme, etc. -

sont appréhendées dans une quelconque relation avec la spécificité de la matière. 

Quant à la négation de l'abstraction,

nous n'en saisissons pas l'argument essentiel;

quoi qu'il en soit, 

 l'art abstrait sous une forme déterminée

a perdu tout attrait pour nous

et l'une des devises de la formation de

l'Association pour l'art Gutai,

il y a trois ans,  

consistait à faire un pas en avant par rapport à l'abstraction,

et c'est pour nous en démarquer

que nous avons choisi le terme de "concret" ;

mais également et surtout parce que nous voulions nous positionner de manière ouverte sur l'exterieur,

en opposition avec la démarche centripète 

de l'abstraction. 

À ce moment-là,

encore maintenant d'ailleurs,

nous pensions que le legs le plus important de l'abstraction

résidait dans le fait qu'elle avait vraiment ouvert la voie,

en ne limitant pas l'art à la simple représentation,

à de nouvelles possibilités de création d'un espace autonome digne du nom de création.

 Nous avions décidé de consacrer notre énergie

à la recherche des possibilités d'une cré ation artistique pure.

Pour concrétiser cet espace « abstractionniste »,

nous avions essayé de créer une complicité entre les dispositions humaines de l' artiste et la spécificité de la matière.

Nous avions en effet été étonnés par la constitution d'un espace inconnu et inédit

 dans le creuset de l'automatisme 

où se fondaient les

 dispositions propres à l'artiste et le matériau choisi.

Car l'automatisme transcende inévitablement l'image du créateur.

Nous avons donc consacré tous nos efforts

à la recherche de moyens personnels

de création spaciale 

 au lieu de compter sur notre seule vision… » 

 Seiichi Sato : s’enferme lui-même

dans un sac suspendu à un arbre